Mal Waldron • Left Alone

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
This obscure CD reissue has the wrong date listed (it is from February 24, 1959, not November 1957) and fails to mention that altoist Jackie McLean sits in with pianist Mal Waldron's trio (which includes bassist Julian Euell and drummer Al Dreares) on the title cut, a number co-written by Waldron and Billie Holiday. Although Waldron dedicated the album to Lady Day and talks about her a bit on the last track in a short interview with vibraphonist Teddy Charles (which was recorded a bit later), he actually only performs one song from her repertoire: "You Don't Know What Love Is." Otherwise this rather brief CD has the title cut, two other typically brooding Waldron originals plus Sonny Rollins' "Airegin." McLean's emotional alto is such a strong asset on the title cut that one wishes he were on the rest of this worthwhile set.
https://www.allmusic.com/album/left-alone-mw0000651178

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
Esta oscura reedición en CD tiene la fecha incorrecta (es del 24 de febrero de 1959, no noviembre de 1957) y no menciona que el saxofonista alto Jackie McLean participa con el trío del pianista Mal Waldron (que incluye al bajista Julian Euell y al baterista Al Dreares) en el tema titular, una composición coescrita por Waldron y Billie Holiday. Aunque Waldron dedicó el álbum a Lady Day y habla un poco sobre ella en la última pista en una breve entrevista con el vibrafonista Teddy Charles (que fue grabada un poco después), en realidad solo interpreta una canción de su repertorio: "You Don't Know What Love Is". Por lo demás, este CD bastante breve tiene el tema titular, otros dos originales típicamente melancólicos de Waldron más "Airegin" de Sonny Rollins. El emotivo saxo alto de McLean es un activo tan fuerte en el tema titular que uno desearía que estuviera en el resto de este valioso conjunto.
https://www.allmusic.com/album/left-alone-mw0000651178

Jackie McLean • Makin' The Changes

 

Jackie McLean • Makin' The Changes
No se encontró reseña en AllMusic.com
Review from Cashbox (June 25, 1960):
McLean's emergence as a major new alto voice is marked by his driving, energetic playing style. His intense approach shines on tracks including "Bean And The Boys," "I Never Knew," and "Chasin' The Bird," supported excellently by Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young, and Gil Coggins. An important recording session for Jackie McLean's developing career.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

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La emergencia de McLean como una importante nueva voz del saxo alto está marcada por su estilo de interpretación enérgico y vigoroso. Su enfoque intenso brilla en tracks que incluyen "Bean And The Boys", "I Never Knew" y "Chasin' The Bird", respaldado excelentemente por Curtis Fuller, Paul Chambers, Louis Hayes, Webster Young y Gil Coggins. Una sesión de grabación importante para la carrera en desarrollo de Jackie McLean.
https://thejazztome.info/jackie-mclean-makin-the-changes/

VA • Jazz Classics

 

Mal Waldron, Jimmy Heath, Charlie Parker, Lee Konitz, Jimmy Raney, Kenny Drew, Bobby Jaspar, Gerry Mulligan, Clark Terry, Oliver Nelson, Chet Baker, Dizzy Gillespie, Don Byas, Hampton Hawes …

Ray Draper • Tuba Sounds

 

“A Promise Derailed.” Such of phrase could easily have been etched on Ray Draper’s tombstone to describe the tubaist’s trials in life and music. Killed in a botched robbery at the tragic age of 42 his troubles both personal and musical hounded him for much of his life. But reading the original liners to this reissue penned by Ira Gitler it’s difficult to prognosticate such a future for Draper. Member of the All-City High School Symphony, a budding playwright and composer, and front man of a recording date for Prestige- all of these things point to bright and promising prospects as a musician. A careful inventory of Draper’s sidemen also speaks to his precocious talent. Even back in 57’ McLean and Waldron were heavy hitters and the relative newcomers Young, DeBrest and Dixon are also solid recruits. Taped at Rudy Van G’s original Hackensack studio (his parent’s living room) the fidelity adds even further to the fine proceedings.

The tunes on the date are a well-chosen mix of originals with a single standard thrown in as a nod to tradition. Draper’s potbellied horn is surprisingly agile on the changes, particularly on his own numbers “Jackie’s Dolly” and “Mimi’s Interlude.” Plump and viscous, it’s a sound that skates along the bedrock of the bass register while still managing to fire off quick salvos of notes. Young stays fairly understated, but still chimes in occasionally with fine solos, as on the latter composition and some intriguing exchanges, as on the opening “Terry Anne.” McLean’s devilish alto, brimming with youthful bravado, routinely dances rings around the leader’s fleshy figures. The rhythm section is usually relegated to its regular chores, but Waldron finds space both for a tune and several solo breaks.

Draper recorded several other dates as a leader and parlayed some work as a sideman for employers like McLean, Coltrane and others throughout the remainder of the 50s. The 60s and 70s also afforded him sporadic dates with folks like Archie Shepp and, but the occasional returns to music were always short-lived. Listening in on the promise he so evidently displays here it’s a shame Draper wasn’t able to persevere.
By Derek Taylor
February 1, 2001 
https://www.allaboutjazz.com/tuba-sounds-ray-draper-prestige-records-review-by-derek-taylor__6302

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«Una promesa truncada». Esta frase podría haber sido fácilmente grabada en la lápida de Ray Draper para describir las tribulaciones del tubista en la vida y en la música. Asesinado en un robo fallido a la trágica edad de 42 años, sus problemas personales y musicales le persiguieron durante gran parte de su vida. Pero al leer las notas originales de esta reedición, escritas por Ira Gitler, resulta difícil pronosticar un futuro así para Draper. Miembro de la All-City High School Symphony, dramaturgo y compositor en ciernes, y protagonista de una sesión de grabación para Prestige: todo ello apuntaba a un futuro brillante y prometedor como músico. Un inventario minucioso de los músicos que acompañaban a Draper también da cuenta de su talento precoz. Ya en 1957, McLean y Waldron eran pesos pesados, y los relativamente novatos Young, DeBrest y Dixon también eran reclutas sólidos. Grabado en el estudio original de Rudy Van G en Hackensack (el salón de sus padres), la fidelidad añade aún más valor al excelente trabajo.

Las canciones de la sesión son una mezcla bien elegida de temas originales con un único estándar incluido como guiño a la tradición. El saxofón barrigudo de Draper es sorprendentemente ágil en los cambios, especialmente en sus propios temas «Jackie's Dolly» y «Mimi's Interlude». Redondo y viscoso, es un sonido que se desliza sobre la base del registro grave del bajo, sin dejar de disparar rápidas salvas de notas. Young se mantiene bastante discreto, pero de vez en cuando interviene con buenos solos, como en la última composición y en algunos intercambios intrigantes, como en la apertura «Terry Anne». El saxo alto diabólico de McLean, rebosante de bravuconería juvenil, baila habitualmente alrededor de las figuras carnosas del líder. La sección rítmica suele quedar relegada a sus tareas habituales, pero Waldron encuentra espacio tanto para una melodía como para varios solos.

Draper grabó varias otras fechas como líder y aprovechó algunos trabajos como acompañante para empleadores como McLean, Coltrane y otros durante el resto de los años 50. Los años 60 y 70 también le proporcionaron fechas esporádicas con gente como Archie Shepp, pero los ocasionales regresos a la música siempre fueron efímeros. Al escuchar la promesa que tan evidentemente muestra aquí, es una pena que Draper no fuera capaz de perseverar.
Por Derek Taylor.
1 de febrero de 2001. 
https://www.allaboutjazz.com/tuba-sounds-ray-draper-prestige-records-review-by-derek-taylor__6302


 

The Prestige Jazz Quartet • The Prestige Jazz Quartet

 

Teo Macero • Teo Macero With The Prestige Jazz Quartet

 

Teo Macero is an amazing man of music; he has worked intimately with some of the greatest figures in the history of jazz as, Duke Ellington, Miles Davis, Dave Brubeck, and Thelonius Monk, in the creation of some of their most enduring works. Attilio Joseph Macero was born and raised in Glens Falls, New York. After serving in the United States Navy, he moved to New York City in 1948 to attend the Juilliard School of Music. He studied composition, and graduated from Juilliard in 1953 with Bachelor's and Master's degrees. In 1953, Macero co-founded Charles Mingus' Jazz Composers Workshop, and became a major contributor to the New York City avant garde jazz scene.He performed live, and recorded several albums with Mingus and the other Workshop members over the next three years, including “Jazzical Moods” (1954) and “Jazz Composers Workshop” ( 1955).During this time frame, in 1954 Macero also recorded “Explorations.” While he had contributed compositions to other albums, this was the first full album of his own compositions, and Macero's first album as a leader. He joined Columbia in 1957 in the capacity of producer, and produced hundreds of records while at the label. Macero worked with dozens of artists at Columbia including Mingus, Duke Ellington, Ella Fitzgerald, Thelonious Monk, Johnny Mathis, Count Basie, Dave Brubeck, Tony Bennett, Charlie Byrd, and Stan Getz. He was also responsible for signing Mingus, Monk, and Byrd to Columbia. Macero produced the seminal Dave Brubeck Quartet album “Time Out,” and Thelonious Monk's first Columbia recording, “Monk's Dream,” as well as “Underground.” He also produced Mingus' first Columbia album, “Mingus Ah Um.” While Macero produced many artists' albums, he had an especially long and prolific relationship with Miles Davis. He produced most of Davis' Columbia catalog, including the classics “Kind of Blue,” “Sketches of Spain,” and “Someday My Prince Will Come.” Davis' later forays into electric fusion, such as “In a Silent Way,” “Bitches Brew,” and “A Tribute to Jack Johnson,” were highlighted by Macero's innovative mixing and editing techniques. In 1975, Macero left Columbia and formed his own production company. However, he continued to work with Davis until 1983, and still continues to produce records for Columbia. As a top flight composer in his own right, Macero has also composed for, conducted, and performed with Leonard Bernstein and the New York Philharmonic, the London Philharmonic Orchestra, the Salt Lake Symphony, the Kansas City Symphony, and The Juilliard School.

He has also been commissioned by, and composed ballets for the Joffrey Ballet Company, the Anna Sokolow Ballet Company, the London Ballet Company, the Juilliard Ballet Company, and the American Ballet Theatre. Since his tenure at Columbia, Macero has continued as a player and producer on other projects as well, working with Tony Bennett, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Michel LeGrand, and Wallace Roney. In the 1970s and 1980s, Macero released a handful of his own albums, including “Time Plus Seven,” “Impressions of Charles Mingus,” and “Acoustical Suspension,” before founding his own label, Teorecords, in 1999. He has since released over a dozen albums of original compositions, and continues to work on new music. Macero continues to produce reissues of Miles Davis and other artists for various record companies. However, Macero is outspoken in his opposition to the practice of adding back alternate takes that didn't appear on the original albums, or otherwise altering the original music, as it corrupts the intentions of the musician and producer at the time the recording was made. "They put all the mistakes back in," says Macero. "Don't destroy the original record." A film documentary about Macero's life and work is currently being produced by Olana DiGirolamo, daughter of Macero's friend and collaborator, Orlando DiGirolamo. Macero has received over 20 Recording Industry Association of America (RIAA) Gold, Platinum, and Multi-platinum certifications for his production contributions.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/teo-macero/

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Teo Macero es un hombre increíble en el mundo de la música; ha trabajado estrechamente con algunas de las figuras más importantes de la historia del jazz, como Duke Ellington, Miles Davis, Dave Brubeck y Thelonius Monk, en la creación de algunas de sus obras más perdurables. Attilio Joseph Macero nació y se crió en Glens Falls, Nueva York. Después de servir en la Marina de los Estados Unidos, se mudó a la ciudad de Nueva York en 1948 para asistir a la Juilliard School of Music. Estudió composición y se graduó de Juilliard en 1953 con una licenciatura y una maestría. En 1953, Macero cofundó el Jazz Composers Workshop de Charles Mingus y se convirtió en uno de los principales contribuyentes a la escena del jazz de vanguardia de la ciudad de Nueva York. Actuó en directo y grabó varios álbumes con Mingus y otros miembros del taller durante los tres años siguientes, entre ellos Jazzical Moods (1954) y Jazz Composers Workshop (1955). Durante este periodo, en 1954, Macero también grabó Explorations. Aunque había contribuido con composiciones a otros álbumes, este fue el primer álbum completo con composiciones propias y el primer álbum de Macero como líder. Se unió a Columbia en 1957 como productor y produjo cientos de discos mientras estuvo en el sello. Macero trabajó con docenas de artistas en Columbia, entre ellos Mingus, Duke Ellington, Ella Fitzgerald, Thelonious Monk, Johnny Mathis, Count Basie, Dave Brubeck, Tony Bennett, Charlie Byrd y Stan Getz. También fue responsable de fichar a Mingus, Monk y Byrd para Columbia. Macero produjo el influyente álbum del Dave Brubeck Quartet «Time Out» y la primera grabación de Thelonious Monk para Columbia, «Monk's Dream», así como «Underground». También produjo el primer álbum de Mingus para Columbia, «Mingus Ah Um». Aunque Macero produjo álbumes de muchos artistas, mantuvo una relación especialmente larga y prolífica con Miles Davis. Produjo la mayor parte del catálogo de Davis en Columbia, incluidos los clásicos «Kind of Blue», «Sketches of Spain» y «Someday My Prince Will Come». Las incursiones posteriores de Davis en la fusión eléctrica, como «In a Silent Way», «Bitches Brew» y «A Tribute to Jack Johnson», destacaron por las innovadoras técnicas de mezcla y edición de Macero. En 1975, Macero dejó Columbia y formó su propia productora. Sin embargo, siguió trabajando con Davis hasta 1983 y aún sigue produciendo discos para Columbia. Como compositor de primer nivel por derecho propio, Macero también ha compuesto, dirigido y actuado con Leonard Bernstein y la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Filarmónica de Londres, la Sinfónica de Salt Lake, la Sinfónica de Kansas City y la Juilliard School.

También ha recibido encargos y compuesto ballets para la Joffrey Ballet Company, la Anna Sokolow Ballet Company, la London Ballet Company, la Juilliard Ballet Company y el American Ballet Theatre. Desde su etapa en Columbia, Macero ha seguido trabajando como intérprete y productor en otros proyectos, colaborando con Tony Bennett, Dave Brubeck, Herbie Hancock, Michel LeGrand y Wallace Roney. En las décadas de 1970 y 1980, Macero publicó varios álbumes propios, entre ellos «Time Plus Seven», «Impressions of Charles Mingus» y «Acoustical Suspension», antes de fundar su propio sello discográfico, Teorecords, en 1999. Desde entonces, ha publicado más de una docena de álbumes con composiciones originales y sigue trabajando en nueva música. Macero sigue produciendo reediciones de Miles Davis y otros artistas para diversas discográficas. Sin embargo, Macero se opone abiertamente a la práctica de añadir tomas alternativas que no aparecían en los álbumes originales o de alterar de cualquier otra forma la música original, ya que corrompe las intenciones del músico y del productor en el momento en que se realizó la grabación. «Vuelven a incluir todos los errores», afirma Macero. «No destruyan el disco original». Olana DiGirolamo, hija del amigo y colaborador de Macero, Orlando DiGirolamo, está produciendo actualmente un documental sobre la vida y obra de Macero. Macero ha recibido más de 20 certificaciones de oro, platino y multiplatino de la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos (RIAA) por sus contribuciones a la producción.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/teo-macero/

The Mal Waldron Trio • The Blues Minus You - Ten Shades Of Blue

 

Jackie McLean • Jackie McLean & Co

 

Charles Mingus • Jazz Composers Workshop

 

Mal Waldron • The Opening

 

A pianist with a brooding, rhythmic, introverted style, Mal Waldron's playing has long been flexible enough to fit into both hard bop and freer settings.
The Opening, recorded in November 1970 (a year before he had recorded Free at Last - the first ever release by the iconic ECM label) is a solo piano setting from a period in which he mainly performed this way between his visits to Japan and back home in the States.
When you hear Mal Waldron’s sound, you hear the New York sophistication, the stride piano thing, the Ellington-Monk continuum, the Bud Powell sound — and of course, Mal Waldron, as Charles Mingus admonished him always to retain…
Waldron often seemed at his best alone or one-to-one - he was immensely creative in duos with Lacy and with South African bassist Johnny Dyani and when played solo the music showed him at his most determinedly minimalist, building solos out of hypnotically minuscule variations. 

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Mal Waldron, un pianista con un estilo melancólico, rítmico e introvertido, ha demostrado a lo largo de su carrera una gran flexibilidad que le ha permitido adaptarse tanto al hard bop como a estilos más libres.
The Opening, grabado en noviembre de 1970 (un año antes de que grabara Free at Last, el primer lanzamiento del emblemático sello ECM), es un álbum de piano solo de una época en la que actuaba principalmente de esta manera entre sus visitas a Japón y su regreso a Estados Unidos.
Cuando se escucha el sonido de Mal Waldron, se percibe la sofisticación neoyorquina, el stride piano, la continuidad de Ellington-Monk, el sonido de Bud Powell y, por supuesto, Mal Waldron, tal y como Charles Mingus le aconsejaba que conservara siempre...
Waldron solía dar lo mejor de sí mismo cuando tocaba solo o en dúo: era inmensamente creativo en dúos con Lacy y con el bajista sudafricano Johnny Dyani, y cuando tocaba en solitario, su música mostraba su lado más decididamente minimalista, construyendo solos a partir de variaciones hipnóticamente minúsculas.

Kenny Burrell • Earthy

 

VA • Jazz Classics

 

John Coltrane • Coltrane

 

www.johncoltrane.com ...

Thad Jones-Frank Wess-Teddy Charles-Mal Waldron-Doug Watkins-Elvin Jones • Olio

 

Classic Prestige jam session from the late 50's, with Thad Jones on trumpet, Frank Wess on tenor and flute, Teddy Charles on vibes, Mal Waldron on piano, Doug Watkins on bass, and Elvin Jones on drums. Charles is amazing, as he is on all of his Prestige recordings, and he plays with a dark edge that you seldom hear from other vibists at the time. Waldron's the great unsung hero of these sessions, as his playing and compositions are consistently remarkable, and which provide great accompaniment for the horn players.
Tracks include the fantastic "Dakar", plus "Touche", "Blues Without Woe", and "Potpourri".
1965 repackaging of the Olio album from the 50s  with a different title and cover.
https://www.dustygroove.com/item/467870/Frank-Wess-with-Thad-Jones:Touche-aka-Olio

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Clásica jam session de prestigio de finales de los 50, con Thad Jones a la trompeta, Frank Wess al tenor y flauta, Teddy Charles a las vibraciones, Mal Waldron al piano, Doug Watkins al bajo y Elvin Jones a la batería. Charles es increíble, como lo es en todas sus grabaciones de Prestigio, y toca con un toque oscuro que rara vez escuchas de otros vibistas en ese momento. Waldron es el gran héroe anónimo de estas sesiones, ya que su forma de tocar y sus composiciones son consistentemente notables y brindan un gran acompañamiento a los trompistas.

Las pistas incluyen el fantástico "Dakar", más "Touche", "Blues Without Woe "y"Popurrí".
1965 fue reempaquetado del álbum Olio de los años 50 con un título y portada diferentes.
https://www.dustygroove.com/item/467870/Frank-Wess-with-Thad-Jones:Touche-aka-Olio

Ron Carter • Where

 

Review
by Jim Todd  
This 1961 set has appeared under Eric Dolphy's name, but it is, in fact, bassist Ron Carter's date -- his first as a leader. Carter and Dolphy had played together in Chico Hamilton's group and on Dolphy's important 1960 date Out There. Where? has elements in common with both, but is closer to Hamilton's late-'50s chamber jazz than to the more outward-bound Dolphy date. As on the Dolphy session, Carter is heard on cello for three of the six tracks. Carter's skill is undeniable, but his playing on Where? is a bit polite and monochromatic. The easygoing duet with George Duvivier, for example, is a quiet, back-porch conversation that makes few demands on either of these bass giants. Dolphy -- playing bass clarinet, alto sax, and flute -- is a far more interesting prospect, even if he doesn't blow his face off to the extent he did in other settings. Pianist Mal Waldron is characteristically dry, economical, and swinging. Drummer Charlie Persip quietly impresses with thoughtful, detailed work. Duvivier is on bass when Carter plays cello. The tracks comprise two Carter originals, two standards, and a pair of Randy Weston numbers. Weston's "Saucer Eyes," the album's best track, features a strong group performance, a superbly laconic statement from Waldron, Dolphy's ebullient flute, and captivating brush work from Persip. Carter's "Rally," with Dolphy's freewheeling bass clarinet and the composer's most adventurous cello work on this set, is closest in spirit to Dolphy's own dates from this period.
https://www.allmusic.com/album/where--mw0000654723

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Reseña
por Jim Todd  
Este set de 1961 ha aparecido bajo el nombre de Eric Dolphy, pero es, de hecho, la fecha del bajista Ron Carter -- su primera como líder. Carter y Dolphy habían tocado juntos en el grupo de Chico Hamilton y en la importante fecha de Dolphy de 1960 Out There. Where? tiene elementos en común con ambos, pero está más cerca del jazz de cámara de Hamilton de finales de los 50 que de la fecha de Dolphy, más orientada hacia el exterior. Al igual que en la sesión de Dolphy, Carter toca el violonchelo en tres de los seis temas. La habilidad de Carter es innegable, pero su interpretación en Where? es un poco educada y monocromática. El dúo con George Duvivier, por ejemplo, es una conversación tranquila que no exige mucho a ninguno de los dos gigantes del bajo. Dolphy, que toca el clarinete bajo, el saxo alto y la flauta, es una perspectiva mucho más interesante, incluso si no se deja la piel en otros escenarios. El pianista Mal Waldron se caracteriza por su sequedad, economía y swing. El batería Charlie Persip impresiona con su trabajo reflexivo y detallado. Duvivier toca el bajo cuando Carter toca el violonchelo. Los temas incluyen dos originales de Carter, dos estándares y un par de números de Randy Weston. Saucer Eyes" de Weston, el mejor tema del álbum, cuenta con una sólida interpretación de grupo, una declaración magníficamente lacónica de Waldron, la efervescente flauta de Dolphy y el cautivador trabajo de pincel de Persip. Rally" de Carter, con el clarinete bajo desenfadado de Dolphy y el trabajo de violonchelo más aventurero del compositor en este álbum, es el que más se acerca en espíritu a las propias fechas de Dolphy de este periodo.
https://www.allmusic.com/album/where--mw0000654723


www.roncarterbass.com ...

  

Jackie McLean • Strange Blues

 

Biography
John Lenwood (Jackie) McLean was an alto saxophonist, composer, bandleader and educator, born in New York City.

His father, John Sr., who died in 1939, played guitar in Tiny Bradshaw's orchestra. After his father's death, his musical education was continued by his godfather, by his stepfather, who owned a record store, and by several noted teachers. He also received informal tutoring from neighbours Thelonious Monk, Bud Powell, and Charlie Parker. During high school he played in a band with Kenny Drew, Sonny Rollins, and Andy Kirk Jr. (the tenor saxophonist son of Andy Kirk).

He recorded with Miles Davis, on Davis' Dig album, when he was 19 years old. Rollins played on the same album. As a young man McLean also recorded with Gene Ammons, Charles Mingus, andGeorge Wallington, and as a member of Art Blakey's Jazz Messengers (he reportedly joined the Jazz Messengers after being punched by the notoriously violent Mingus and, fearing for his life, stabbing him in self-defence). His early recordings as leader were in the hard bop school. He later became an exponent of modal jazz without abandoning his foundation in hard bop. Throughout his career he was known for his distinctive tone (often described with such adjectives as withering, piercing, or searing), his slightly sharp pitch, and a strong foundation in blues.

McLean was a heroin addict throughout his early career, and the resulting loss of his New York City cabaret licence forced him to undertake a large number of recording dates; consequently, he produced a large body of recorded work in the 1950s and 60s. He was under contract with Blue Note Records from 1959 to 1967, having previously recorded for Prestige. Blue Note offered better pay and more artistic control than other labels, and his work for Blue Note is highly regarded.

In 1962 he recorded Let Freedom Ring for Blue Note. This album was the culmination of attempts he had made over the years to deal with harmonic problems in jazz, especially in soloing on his piece "Quadrangle." (*"Quadrangle" appears on BST 4051, Jackie's Bag, recorded in 1959). Let Freedom Ring began a period in which he performed with avant-garde musicians rather than the veteran hard bop performers he had been playing with. His recordings from 1962 on, in which he adapted the innovations of modal and free jazz to hard bop, made his body of work distinctive.

In 1964, he served six months in prison on drug charges. The period immediately after his release from prison is known as his acid period because the three albums he released during it were much harsher in tone than his previous albums.

In 1967, his recording contract, like those of many other progressive musicians, was terminated by Blue Note's new management. His opportunities to record promised so little pay that he abandoned recording as a way to earn a living, concentrating instead on touring. In 1968, he began teaching at The Hartt School of the University of Hartford. He later set up the university's African American Music Department (now the Jackie McLean Institute of Jazz) and its Jazz Studies degree program.

In 1970, he and his wife, Dollie, founded the Artists' Collective, Inc. of Hartford, an organization dedicated to preserving the art and culture of the African diaspora. It provides educational programs and instruction in dance, theatre, music and visual arts.

He received an American Jazz Masters fellowship from the National Endowment for the Arts in 2001.

His stepson René is a jazz saxophonist and flautist as well as a jazz educator.

After a long illness, McLean died on March 31, 2006, in Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

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 Biografía
John Lenwood (Jackie) McLean fue un saxofonista alto, compositor, director de orquesta y educador, nacido en la ciudad de Nueva York.

Su padre, John Sr., fallecido en 1939, tocaba la guitarra en la orquesta de Tiny Bradshaw. Tras la muerte de su padre, su educación musical fue continuada por su padrino, por su padrastro, propietario de una tienda de discos, y por varios profesores de renombre. También recibió clases informales de sus vecinos Thelonious Monk, Bud Powell y Charlie Parker. Durante el instituto tocó en una banda con Kenny Drew, Sonny Rollins y Andy Kirk Jr. (el saxofonista tenor hijo de Andy Kirk).

Grabó con Miles Davis, en el álbum Dig de Davis, cuando tenía 19 años. Rollins tocó en el mismo álbum. De joven, McLean también grabó con Gene Ammons, Charles Mingus y George Wallington, y como miembro de los Jazz Messengers de Art Blakey (al parecer, se unió a los Jazz Messengers después de recibir un puñetazo del notoriamente violento Mingus y, temiendo por su vida, apuñalarle en defensa propia). Sus primeras grabaciones como líder pertenecían a la escuela del hard bop. Más tarde se convirtió en un exponente del jazz modal sin abandonar su base en el hard bop. A lo largo de su carrera fue conocido por su tono característico (a menudo descrito con adjetivos como fulminante, penetrante o abrasador), su tono ligeramente agudo y una sólida base de blues.

McLean fue adicto a la heroína al principio de su carrera, y la consiguiente pérdida de su licencia de cabaret en Nueva York le obligó a realizar un gran número de grabaciones; en consecuencia, produjo una gran cantidad de trabajos discográficos en los años cincuenta y sesenta. Entre 1959 y 1967 firmó un contrato con Blue Note Records, tras haber grabado anteriormente para Prestige. Blue Note le ofrecía mejores salarios y más control artístico que otros sellos, y su trabajo para Blue Note goza de gran prestigio.

En 1962 grabó Let Freedom Ring para Blue Note. Este álbum fue la culminación de los intentos que había hecho a lo largo de los años para tratar los problemas armónicos en el jazz, especialmente en el solo de su pieza "Quadrangle". (*"Quadrangle" aparece en BST 4051, Jackie's Bag, grabado en 1959). Let Freedom Ring inició un periodo en el que actuó con músicos de vanguardia en lugar de con los veteranos intérpretes de hard bop con los que había estado tocando. Sus grabaciones a partir de 1962, en las que adaptó las innovaciones del jazz modal y el free jazz al hard bop, dieron un carácter distintivo a su obra.

En 1964 pasó seis meses en la cárcel acusado de tráfico de drogas. El periodo inmediatamente posterior a su salida de la cárcel se conoce como su periodo ácido porque los tres álbumes que publicó durante el mismo tenían un tono mucho más duro que sus álbumes anteriores.

En 1967, su contrato discográfico, como el de muchos otros músicos progresistas, fue rescindido por la nueva dirección de Blue Note. Sus oportunidades de grabar prometían tan poca paga que abandonó la grabación como forma de ganarse la vida, concentrándose en cambio en las giras. En 1968 empezó a dar clases en la Hartt School de la Universidad de Hartford. Más tarde creó el Departamento de Música Afroamericana de la universidad (ahora Instituto de Jazz Jackie McLean) y su programa de estudios de jazz.

En 1970, él y su esposa, Dollie, fundaron el Artists' Collective, Inc. de Hartford, una organización dedicada a preservar el arte y la cultura de la diáspora africana. Ofrece programas educativos e instrucción en danza, teatro, música y artes visuales.

En 2001 recibió una beca American Jazz Masters de la National Endowment for the Arts.

Su hijastro René es saxofonista y flautista de jazz, además de profesor de jazz.

Tras una larga enfermedad, McLean falleció el 31 de marzo de 2006 en Hartford, Connecticut.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/jackie-mclean/

Booker Little & Booker Ervin • Sounds Of Inner City

 

Review
by Al Campbell  
Two masters of hard bop, trumpeter Booker Little and tenor saxophonist Booker Ervin, square off on this 1960 session reissued by Collectables as Sounds of the Inner City. This date has been released under various titles over the years since its original inception as Teddy Charles' New Directions Quartet Featuring Booker Little and Booker Ervin. Most of the material is straight-ahead bop under the leadership of vibraphonist Teddy Charles with Mal Waldron on piano, Addison Farmer on bass, and Ed Shaunesssy on drums. This is a noteworthy reissue considering that there are so few instances of Little's lyrical trumpet style and Ervin's passionate tenor recorded together. Original compositions include Ervin's "Scoochie," Little's "The Confined Few" and "Witch Fire," Shaunessy's "Blues de Tambour," pianist Ahmad Jamal's "Cycles," plus the standard "Stardust" (receiving an especially melancholy treatment.) The only complaint is the lack of liner notes, which excludes information on personnel and session history.
https://www.allmusic.com/album/sounds-of-the-inner-city-mw0000052199

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Reseña
por Al Campbell  
Dos maestros del hard bop, el trompetista Booker Little y el saxofonista tenor Booker Ervin, se enfrentan en esta sesión de 1960 reeditada por Collectables como Sounds of the Inner City. Esta fecha ha sido publicada bajo varios títulos a lo largo de los años desde su inicio original como Teddy Charles' New Directions Quartet Featuring Booker Little and Booker Ervin. La mayor parte del material es bop directo bajo la dirección del vibrafonista Teddy Charles con Mal Waldron al piano, Addison Farmer al bajo y Ed Shaunesssy a la batería. Se trata de una reedición digna de mención, teniendo en cuenta que hay muy pocos casos en los que el estilo lírico de la trompeta de Little y el apasionado tenor de Ervin se hayan grabado juntos. Las composiciones originales incluyen "Scoochie" de Ervin, "The Confined Few" y "Witch Fire" de Little, "Blues de Tambour" de Shaunessy, "Cycles" del pianista Ahmad Jamal, además del estándar "Stardust" (que recibe un tratamiento especialmente melancólico). La única queja es la falta de notas de presentación, que excluye información sobre el personal y la historia de la sesión.
https://www.allmusic.com/album/sounds-of-the-inner-city-mw0000052199

John Coltrane • Dakar

 

 

John William Coltrane was born on September 23, 1926 in Hamlet, North Carolina. At the age of three his family moved to High Point, NC, where young Coltrane spent his early years. His father, John Robert Coltrane, died in 1939, leaving twelve year-old John and his mother on their own.

His mother, Alice Blair Coltrane, moved to New Jersey to work as a domestic while John completed high school. John played first the clarinet, then alto saxophone in his high school band. His first musical influence was the tenor saxophonist Lester Young of Count Basie's band. In June of 1943, after graduation, Coltrane moved to Philadelphia to be closer to his mother.

After a yearlong stint in the Navy (1945-46), Coltrane began playing gigs in and around Philadelphia. During this time he became involved in drug and alcohol use, vices that would follow him throughout his career and ultimately lead to his death.

In late 1949 Coltrane was invited to play alto sax with Dizzy Gillespie's band; the first recording session was on November 21 of that year. When the big band broke up in May of 1950 Coltrane moved to the tenor saxophone and played with Gillespie's small band until May of the next year. Coltrane played with Earl Bostic's group in 1952, switching to the band of his early idol Johnny Hodges in 1953.

Problems with drug and alcohol abuse, however, forced Coltrane out of the group in 1954. Miles Davis called upon Coltrane in the summer of 1955 to join a group he was forming. The Miles Davis quintet's first recording was made in October of 1955, the same month in which Coltrane was married to Naima Grubbs. The quintet was comprised of Davis on trumpet, Coltrane on tenor sax, Red Garland on piano, Paul Chambers on bass, and Philly Joe Jones on the drums. It was in his years with this quintet that Coltrane's abilities were truly recognized and appreciated.

In April 1957, though, Coltrane was again forced to take a break from playing to deal with his substance abuse problems; Davis replaced him with Sonny Rollins. He played briefly with Thelonious Monk in late 1957 before rejoining the Miles Davis quintet in January 1958. Coltrane played with this group until April 1960, when he set out to form his own group.

The John Coltrane quartet first formed in April of 1960 with Coltrane playing tenor saxophone, McCoy Tyler on piano, Elvin Jones on drums, and Jimmy Harrison on bass. It was during the first years of this group that Coltrane graduated from an above-average tenor saxophonist to an elite bandleader, composer, and improvisor. "My Favorite Things", the epic album featuring "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me", and the title track, was recorded in 1960. This was undoubtedly Coltrane's most successful and popular album, and granted him the commercial success that had eluded him thus far in his career.

Perhaps due to this success, Coltrane's approach to his music began to shift during 1961-62, moving towards a more experimental, improvisational style. This "free-jazz" alienated many of the fans Coltrane had collected after "My Favorite Things", but at the same time expanded the horizons and definition of jazz. Among the more popular recordings of the quartet in the following years were "Africa Brass" (1961), "Ballads" (1962), "A Love Supreme" (1964), and "Meditations" (1965), as well as concerts recorded at The Village Vanguard (NYC) in 1961 and at Birdland, also in New York, in 1963.

Coltrane's continuing desire to break new boundaries with his music, though, led to the end of the group in January 1966. During the mid-1960's the turmoil in Coltrane's professional life was mirrored by disruptions in his personal life. In the summer of 1963 he moved out of the house he shared with his wife, Naima, and moved in with Alice McLeod. Coltrane had met Alice, a pianist, in 1960, and they had been friends since then.

A son, John Coltrane Jr., was born to Coltrane and Alice on August 8, 1964; this was followed on August 6, 1965 by a second son, Ravi. A year later Coltrane divorced Naima and married Alice. A final son, Oran, was born to Coltrane and Alice on March 19, 1967. On July 17, 1967,

John Coltrane died due to complications arising from his years of alcohol and drug abuse.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

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John William Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 en Hamlet, Carolina del Norte. A la edad de tres años, su familia se mudó a High Point, Carolina del Norte, donde el joven Coltrane pasó sus primeros años. Su padre, John Robert Coltrane, murió en 1939, dejando solos a John, de doce años, y a su madre.

Su madre, Alice Blair Coltrane, se mudó a Nueva Jersey para trabajar como empleada doméstica mientras John completaba la escuela secundaria. John tocó primero el clarinete y luego el saxofón alto en la banda de su escuela secundaria. Su primera influencia musical fue el saxofonista tenor Lester Young de la banda de Count Basie. En junio de 1943, después de graduarse, Coltrane se mudó a Filadelfia para estar más cerca de su madre.

Después de un período de un año en la Marina (1945-46), Coltrane comenzó a tocar en Filadelfia y sus alrededores. Durante este tiempo se involucró en el consumo de drogas y alcohol, vicios que lo seguirían a lo largo de su carrera y finalmente lo llevarían a la muerte.

A finales de 1949 Coltrane fue invitado a tocar el saxo alto con la banda de Dizzy Gillespie; la primera sesión de grabación fue el 21 de noviembre de ese año. Cuando la big band se disolvió en mayo de 1950, Coltrane se pasó al saxofón tenor y tocó con la pequeña banda de Gillespie hasta mayo del año siguiente. Coltrane tocó con el grupo de Earl Bostic en 1952, cambiando a la banda de su ídolo Johnny Hodges en 1953.

Sin embargo, los problemas con el abuso de drogas y alcohol obligaron a Coltrane a abandonar el grupo en 1954. Miles Davis llamó a Coltrane en el verano de 1955 para unirse a un grupo que estaba formando. La primera grabación del quinteto de Miles Davis se realizó en octubre de 1955, el mismo mes en que Coltrane se casó con Naima Grubbs. El quinteto estaba compuesto por Davis a la trompeta, Coltrane al saxo tenor, Red Garland al piano, Paul Chambers al bajo y Philly Joe Jones a la batería. Fue en sus años con este quinteto que las habilidades de Coltrane fueron verdaderamente reconocidas y apreciadas.

Sin embargo, en abril de 1957, Coltrane se vio obligado nuevamente a dejar de tocar para lidiar con sus problemas de abuso de sustancias; Davis lo reemplazó con Sonny Rollins. Tocó brevemente con Thelonious Monk a fines de 1957 antes de reincorporarse al quinteto de Miles Davis en enero de 1958. Coltrane tocó con este grupo hasta abril de 1960, cuando se propuso formar su propio grupo.

El cuarteto John Coltrane se formó por primera vez en abril de 1960 con Coltrane tocando el saxofón tenor, McCoy Tyler al piano, Elvin Jones a la batería y Jimmy Harrison al bajo. Fue durante los primeros años de este grupo que Coltrane se graduó de saxofonista tenor por encima del promedio a líder de banda, compositor e improvisador de élite. "My Favorite Things", el álbum épico con "Every Time We Say Goodbye", "Summertime", "But Not For Me" y la canción principal, se grabó en 1960. Este fue sin duda el álbum más exitoso y popular de Coltrane, y le otorgó el éxito comercial que le había eludido hasta ahora en su carrera.

Quizás debido a este éxito, el enfoque de Coltrane hacia su música comenzó a cambiar durante 1961-62, moviéndose hacia un estilo más experimental e improvisado. Este " free-jazz "alienó a muchos de los fanáticos que Coltrane había reunido después de" My Favorite Things", pero al mismo tiempo amplió los horizontes y la definición del jazz. Entre las grabaciones más populares del cuarteto en los años siguientes se encuentran" Africa Brass " (1961)," Ballads " (1962)," A Love Supreme "(1964) y" Meditations " (1965), así como conciertos grabados en Village Vanguard (NYC) en 1961 y en Birdland, también en Nueva York, en 1963.

Sin embargo, el continuo deseo de Coltrane de romper nuevos límites con su música llevó al final del grupo en enero de 1966. A mediados de la década de 1960, la agitación en la vida profesional de Coltrane se reflejó en interrupciones en su vida personal. En el verano de 1963 se mudó de la casa que compartía con su esposa, Naima, y se mudó con Alice McLeod. Coltrane había conocido a Alice, pianista, en 1960, y habían sido amigos desde entonces.

Un hijo, John Coltrane Jr., nació de Coltrane y Alice el 8 de agosto de 1964; a esto le siguió el 6 de agosto de 1965 un segundo hijo, Ravi. Un año después, Coltrane se divorció de Naima y se casó con Alice. Un último hijo, Oran, nació de Coltrane y Alice el 19 de marzo de 1967. El 17 de julio de 1967,

John Coltrane murió debido a complicaciones derivadas de sus años de abuso de alcohol y drogas.
https://www.allaboutjazz.com/musicians/john-coltrane/

www.johncoltrane.com ...

Gene Ammons • Jammin' In Hi-Fi With Gene Ammons

 

Gene Ammons Review by Scott Yanow
Tenorman Gene Ammons headed a series of notable studio jam session in the 1950s and this is one of the better ones. With such fine young players as trumpeter Idrees Sulieman, altoist Jackie McLean, pianst Mal Waldron, guitarist Kenny Burrell, bassist Paul Chambers and drummer Art Taylor, Ammons and his friends jam through four numbers all of which clock in between 11:59 and 13:01. The results are an accessible and often exciting brand of bebop.
https://www.allmusic.com/album/jammin-in-hi-fi-with-gene-ammons-mw0000078419

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Gene Ammons Reseña por Scott Yanow
El tenor Gene Ammons encabezó una serie de notables jam sessions de estudio en la década de 1950 y ésta es una de las mejores. Con jóvenes músicos de la talla del trompetista Idrees Sulieman, el contralto Jackie McLean, el pianista Mal Waldron, el guitarrista Kenny Burrell, el bajista Paul Chambers y el batería Art Taylor, Ammons y sus amigos tocan cuatro temas, todos ellos entre las 11:59 y las 13:01. El resultado es un estilo de bebop accesible y a menudo emocionante. El resultado es un bebop accesible y a menudo emocionante.
https://www.allmusic.com/album/jammin-in-hi-fi-with-gene-ammons-mw0000078419


 

The Mal Waldron Trio • The Blues Minus You - Ten Shades Of Blue